Comentario Final.

Nuestra percepción suele cambiar día a día. El conocer una nueva visión respecto al mundo y como ha sido captado, me hace reflexionar respecto a un nuevo universo, donde paradigmas nos llevan de la mano a diario.
Al entrar a la Esmeralda, no tenía el conocimiento de que llevaría una clase de fotografía, y no pensé que mi interés hacia la clase iba a crecer tanto. Al principio, sentía que no me ayudaría, ya que yo entré con una idea de plástica, más que otra cosa. Pero me dí cuenta, que la fotografía cambió también mi forma de ver a futuro, ya que conociendo tantos métodos, su historia,  me ayuda ahora a idear proyectos a futuro, que vayan relacionados a la gráfica.
La fotografía te enseña a obsevar, más que a ver.

La Cámara Lúcida. (Ensayo)

''Éste libro defraudará a los fotógrafos'' - Roland Barthes.

A veces no apreciamos todo el significado que puede contener una fotografía, y toda la carga social o personal que se puede encerrar en esa imagen. Barthes habla del impacto que tuvo al ver una fotografía de Jerónimo, quien era hermano de Napoleón, y como lo primero que pasó por su mente fue el ''Veo los ojos que han visto el emperador''*, pero nadie lo entendía como él, esa falta de apreciación conllevo a su interés a ver la fotografía como un aspecto más cultural (Studium), más nunca murió ese destello por el ver más allá.
¿La fotografía acaso puede clasificarse? Cuestiona el hecho que siempre se encierran en las categorías conocidas como profesionales y aficionados, o retratos, paisajes, objetos, desnudos, etc, pero más allá de eso, existía un caos en lo identificable. ¿Por qué? La fotografía tiene la maravillosa cualidad de repetir mecánicamente lo que lo que jamás podrá ser repetido existencialmente. La fotografía dice: Ésto es. Y consiste en transmitir lo captado tal y como es, a ese modo es lícito hablar como tal de alguna foto. La fotografía naturalmente, tiene algo de tautológico, cuando se fotografía el cielo, siempre será el cielo; es una valiosa dualidad que no podemos percibir, pero sí concebir.
Las fotografías van más al fondo de su valor técnico, e histórico. ¿Qué nos hace sentir una fotografía? Los comentarios sociólogos trastornan la idea de la apreciación, limitando las constantes ideas de aprendizaje respecto a la composición, o a las típicas fotos familiares marcadas por un gran protocolo social. Técnicamente la fotografía en su orden químico, es la relación respecto a la luz sobre ciertas sustancias, y el orden físico es la formación de la imagen a través de un dispositivo óptico. Así, una foto puede ser objeto de 3 acciones, prácticas o intenciones las cuales son: mirar, experimentar y hacer.
Barther habla de las experiencias: El sujeto mirado, y el sujeto mirante. Y como al conocer que uno está siendo mirado, toda cambia, y se pone en práctica una pose, fabricándose por completo otro cuerpo, adelantándose a transformarse en una nueva imagen. Y como le preocupa, le angustia ésta filiación no conocida: otro cuerpo que es suyo, va a volver a nacer, otra imagen será. El verse a uno mismo, representándose ya sea por un retrato, pintura, dibujo, hace alarde a un nivel social.
La fotografía, transmuta al sujeto en objeto, como en 1840, cuando se tomaron los primeros retratos, el sujeto debía de mantener largas poses, bajo condiciones algo incómodas, hasta surgió un invento llamado ''apoyacabezas'' donde se mantenía al retratado en un estado de inmovilidad. Entonces ¿qué es lo que realmente se captura? La persona es real, más su acción es determinada por las condiciones establecidas, el lenguaje del cuerpo cambia para no ser nosotros. Convergen caminos diferentes que revuelan los términos de lo que es realmente fotografiado. Todo se deforma en el: El sujeto cree que es, aquel que quiere ser, lo que el fotógrafo quiere que sea y el que serviría como para ser exhibido como arte. Se vive entonces una micro experiencia de la muerte: Nos convertimos en el espectro.
Lo comparo con mi experiencia en los trabajos de Fotografía, tanto cuando retraté como cuando me retrataron. Se habló de intereses, para crear así un escenario donde pudieras ser ''tú mismo'' llegamos al lugar donde se realizarían las tomas, y las preguntas más comunes eran: ¿qué debo de hacer? ¿cómo me pongo? A lo que mayormente se contestaba: ''Se tu mismo''. Así al fin de al cabo se llegaba a una despersonalización del sujeto, ya que aparentábamos ser lo que creemos ser, pero de una forma meditada, pensada y actuada. Así la Fotografía se convierte en un Arte poco seguro (Menciona Bather)*
Lo que hace que sintamos realmente una fotografía, lo que la hace existir, es la animación creada en ella. Ya que está construida en objeto, y los sujetos se convierten en personajes, van en las ondas de la percepción, el signo y la imagen, sin llegar a abordar las 3 al mismo tiempo.
¿Se puede retener entonces una intención afectiva al intentar capturar la esencia de lo añorado?
Lo que provoca éste sentimiento al percibir una fotografía, al decidir si es atractivo a nuestra mirada o no, es el Studium: el interés diverso, moviliza el deseo, nos hace entrar en armonía (o no) a lo captado, dontándo de funciones a la fotografía como es el informar, significar, representar, o sorprender al espectador mismo. La fotografía nos permite accesar al ''infra-saber'' ya que nos lleva al tal y como es el objeto/sujeto obtenido y conocer el estilo de vida que lo conformaba.
Las fotografías de reportaje, carecen de ''Punctum'' (''lo que punza'' es la representación personal respecto a la fotografía visualizada) pero sí existe un choque, haciendo a la foto unaria. Otro ejemplo claro que se muestra, es la pornografía, no hay una intención, ni mucho menos un cálculo, constituida por un solo fin: representar el sexo.
Existe otro tipo de expanción del Punctum, cuando al permanecer como detalle, llena toda la fotografía. Y no siempre ese detalle es intencional, si no es el que nos llama la atención, es el que nos envuelve haciendonos mimetizarnos hacia esa fotografía. ''La videncia del fotógrafo no consiste en ver, si no en encontrarse allí.'' - Barthes.
Se dice que los pintores inventaron la fotografía. La pintura, puede fingir una realidad que no estuvo ahí, o sin haber precenciado ese momento. Por su parte,en la fotografía no se puede negar que se estuvo ahí, hay una realidad conjunta: El pasado y la realidad. Barther lo denomina como ''Interfuit'' como el ''Esto ha sido'' o lo Intratable. Lo que fundamenta la idea natural de la fotografía es la pose. No importa mucho la duración física de esa pose, lo que realmente importa es que hubo esa intención. La presencia de ese ''algo'' capturado nunca es metafórico, da vida certificando lo evidenciado. E históricamente la fotografía comienza como Arte de la persona, la reserva del cuerpo, su expresión, la captura de alguna identidad. Más que cualquier arte, establece una copresencia con orden metafísico, la conciencia no toma precisamente la nostalgia de un recuerdo, ratifica lo que ella misma representa.
¿Loca o cuerda? Cuerda sí su realismo no deja de ser relativo, Loca si su realismo es absoluto, creándonos una conciencia del sentir, causándonos un éxtasis fotográfico.

 ''La fotografía es una magia, no un arte.''

Magistral 7 de Noviembre.

El artista invitado ésta ocasión fue Mauricio Alejo, nos presenta su trabajo fotográfico el cual engloba algo muy personal, ya que sus tomas las componen objetos casi autobiográficos, sencillos, rodeados por una atmósfera muy personal, ya que se aprecia casi siempre que trabajaba dentro de su departamento, y siempre dándole un peso de ilusión, estratégicamente.

Las primeras obras que nos muestra, son radiografías de bolsos y maletas en el aeropuerto, y sugiere lo fácil que se puede conocer a una persona y descubrir su identidad, solamente por el simple hecho de ver lo que porta en su equipaje. 

Después nos presentó varios de sus videos, donde se hace un exquisito juego de percepción visual, y como objetos o imágenes que creemos ver, cambian por completo y no son nada de lo que esperábamos. Me parece que lo hace de una forma poética, sencilla, y me parece increíble el hecho que nos pueda ''engañar'' o cambian lo percibido, por el simple hecho de no observar con cuidado.

(Ilussions Video)

Comenta sonriendo que a veces al presentar su obra, las personas le daban un sentido completamente diferente a lo que quería transmitir, hasta en un punto sarcástico. Muestra la fotografía de la naranja, y cuenta la historia de lo difícil que fue obtener el resultado, y que conllevaba a lo grotesco, ya que el convertir a un fruto en algo con apariencia humana, se vería como algo tan inusual, que impactaría.

Magistral 24 de Octubre.

En la magistral el artista invitado fue Marco, alumno de la Esmeralda, especializado por la fotografía. Se comentó el modo de como la tecnología a cambiado por completo la forma en cómo se ve la pintura, y como en éste proceso, la fotografía va de la mano. De una forma personal, nos dio a conocer como él percibe el arte, y como va cambiando dependiendo en la época que se desarrolla. Habla del impacto que tuvo al conocer la pieza llamada ''Zee'' de Kurt Hentschläger, compuesta por sonidos digitales y luces de color cambiantes, mientras todo se rodeaba de humo, considerándola obra pictórica.

Así mismo comenta como la fotografía, va modificándose al paso del tiempo, y en algún punto ha llegado a un estado de limitación, ya que sólo se puede desenvolver por medio de todas las cámaras existentes, los filtros, o ya en archivos digitales por medio de la edición. ¿Entonces la fotografía acaso a llegado a un punto en el cual ya no puede desarrollarse más? No se sabe.

La tecnología nos brinda la capacidad de difusión por medio de la imagen fotográfica, se menciona por ejemplo los proyectos como fotomovimiento, Timelapse e hyperlapse, la cámara nitro, y el bullet time.

(Efecto Bullet Time)

También se comenta en la magistral, respecto a un proyecto en el cual una imagen ideada, pueda concebirse materialmente. Un puente en el que nuestros pensamientos sean convertidos en objetos reales. ¿Acaso será el futuro de la imagen? 

Ensayo 10 fotógrafos premio Hasselblad.

Los Premios Hassellblad, nacen en Suecia en 1980, dándoles este reconocimiento a fotógrafos que han hecho obras sorprendentes cada año, desde esa fecha. La fundación Hasselblad fue fundada por Erna y Victor Hasselblad.

Henri Cartier-Bresson.

Conocimos el trabajo de Cartier-Bresson, en el primer magistral y me interesó mucho su obra. Nace en Francia en 1908, y desde pequeño se le ve un grande interés hacia la fotografía y la pintura. En 1932 obtiene su primera Leica, quedando maravillado con el formato 35 mm. Fue uno de los padres del fotoreportaje. Conocido por su trabajo ‘’el instante decisivo’’ captando momentos únicos, convirtiendo momentos en expresivas huellas. Fue el primer fotógrafo que expuso su trabajo en el museo Louvre. En 1982 recibe el premio Hasselblad. El libro más funcional y conocido que publicó fue ''Images a la sauvette.''

Sune Olof Jonsson.

Fotógrafo y escritor sueco. Su aprendizaje y nutrición por la fotografía fue autodidacta. En 1959 comienza a fotografiar  la provincia de Vastterbotten en donde él había nacido. Conectándonos con el folklore mismo con el que él creció, dándonos a conocer su forma de vida. Ha ganado muchos premios por su trabajo, en 1993 se lleva el premio Hasselblad, y en 2007 el premio sueco al libro fotográfico.

Robert Frank

Nace en 1924 en Suiza, estadounidense que se dedicó a la fotografía y al cine. Su libro más famoso fue ‘’The Americans’’ publicado 1958 influenciado por el periodo de la post-guerra. Tenía una visión escéptica de la vida estadounidense, viéndolo como desde un punto extranjero. Después se interesa por el cine, también experimenta en sus fotografías, manipulándolas. En 1996 recibe el premio Hasselblad, PHotoEspaña reconoció también su trabajo dándole un premio en 2009.

William Eggleston

Fotógrafo estadounidense, nacido en el estado de Mississippi. Al empezar,sus fotografías son a blanco y negro, y se inspiraba mucho en el trabajo de Cartier-Bresson y de Robert Frank. Hasta en 1965 empieza a experimentar con la fotografía a color. En 1973 empieza e experimentar con la saturación de las tintas de colores. Una de sus obras más conocidas se le llama ‘’The Red Ceiling’’, considerándose una de sus mejores obras.  En 1976, expone en el MOMA, donde presentó 75 fotografías que causaron escándalo. En 1998 recibe el premio Hasselblad.

Cindy Sherman

Fotógrafa, directora de cine y artista estadounidense. Exhibió en el Museo de Arte Moderno,  sus fotografías son de las mayores representantes de la post-guerra en Nueva York. En sus fotografías mayormente aparece ella, pero nos son autorretratos. Representándose como personaje de  varios temas, principalmente la representación que tiene la mujer en el mundo actual, y como se desarrolla en éste, y como es vista en la sociedad, en el arte, en el mundo.  Recibe el premio Hasselblad en 1999.

Jeff Wall

Fotógrafo canadiense nacido en 1946. Su obra emite el principio para entender el fotoconceptualismo. En sus fotografías todo es planeado hasta el mínimo detalle. Se basa en ideas ya creadas, por ejemplo en las pinturas de Manet. La mayoría de sus tomas, tienen temas sociales y políticos, como el racismo, la pobreza o la violencia. Gana el premio Hasselblad en 2002.

Lee Friedlander.

Fotógrafo estadounidense, nacido en 1934. Se dedicaba a hacer la portada de discos de Jazz, cuando vivía en Nueva York en 1956. Influenció su obra en el trabajo de Robert Frank y Walker Evans. Exploró la percepción, al paisaje urbano dándole un nuevo sentido a la fotografía documental. Sus fotografías cuentan con un gran sentido del humor, siendo representante de éste nuevo documentalismo.  En 2005 hubo una exposición retrospectiva de su obra en el MOMA, y ese mismo año recibe el premio Hasselblad.

Nan Goldin

Fotógrafa y artista estadounidense, sus fotografía muestran la contraculturalidad vivida en los años 70 y 80s. En los 70, Goldin viaja a Provincetown, un lugar muy recurrido por homosexuales. Ahí conoce a los próximos protagonistas de muchas de sus fotografías. En 1978 se gradua de la escuela del museo de Bellas Artes en Boston. Después empieza a trabajar con el uso del flash y en películas a color. Ella misma se cataloga como ‘’fotógrafa documentalista’’ por sus capturas de escenas contraculturales.  En el año 2007, gana el premio Hasselblad.

Sophie Calle.

Artista y fotógrafa fracesa, judía. Su obra gira en torno a la intimidad misma, donde ella recurre a su persona para llevarlo a cabo. Registra sus actos con variaciones como videos, libros, fotografías, o performances. En 1986, realiza la serie ‘’Los ciegos’’  donde fotografía a 23 personas ciegas, de nacimiento, donde les pregunta cual es su concepto de belleza. Este retrato se acompaña con el texto donde lo describen. Tiene una gran obsesión por la mirada. Gana el premio Hasselblad en 2010.

Walid Raad.

Artista y fotógrafo libanés. Su obra está basada en documentar la perspectiva delas guerras en Líbano entre 1975 y 1991.Vive en Nueva York y trabaja de profesor en la Escuela de Arte Cooper Union. Sus obras se han exhibido en el bienal de Venecia, en el bienal de Nueva York, en el Festival de la Escena Contemporanea de Madrid. Recibe el premio Hasselblad en 2011.

Conferencia con Patricia Lagarde y Marianna Dellekamp.

En la pasada Migistral del día 10 de Octubre, pudimos conocer el trabajo de Patricia Lagarde y Marianna Dellekamp, presentándonos sus proyectos hablando y comentando respecto a ellos.

Patricia Lagarde, nos cuenta que su proyecto se basa en fotografiar objetos diferentes, sacándolos de su contexto para llevarlo a otro punto de percepción, poniéndolo en un ambiente completamente libre, ocupa la ténica de coloidón húmedo, así que el resultado de cada obra nunca es el mismo, dándole un toque antiguo. Comenta que tiene un fetiche hacia la fotografía en sus inicios.

Marianna Dellekamp nos habla de su proyecto ''La biblioteca de tierra'', donde forma una serie de cajas de acrílico transparente, en formas variadas, los cuales llena de tierra de muchas partes del mundo. Ella pide a las personas que le manden tierra, cuenta anécdotas desde partes donde no se le permitía llevarla en el avión, o como la gente aún en día sigue mandándola. Me parece un proyecto bastante rico, ya que todos ponen su semilla para llevarlo a cabo. Comenta ese día que pone fin al proyecto.

Fotografía del siglo XX Parte II (Magistrales).

El pasado viernes conocimos el trabajo de más fotógrafos, la fotografía se denomina como arte autónomo, ya que había la búsqueda de una nueva objetividad. Ya tenía más posibilidades, en 1936 ya se puede ver la llegada de la fotografía en formato rectangular.

Los fotógrafos mencionados fueron:

Alexander Rodchenko, fotógrafo, pintor, diseñador y escultor, de origen ruso. Conocido por ser el fundador del constructivismo ruso. Fue el responsable de la reorganización de museos y escuelas de arte en 1920. Trabajó en el mundo del fotomontaje, usando materiales muy peculiares. En 1924 empieza a usar la fotografía, tenía algo de compromiso social, su principal trabajo fue hecho con la cámara Laica. Exploró desde lo abstracto, hasta fotografiar actividades deportivas, paisajes y coreografías.

Ansel Adams, es conocido por sus tomas en blanco y negro de paisajes, así como por escribir muchos libros de fotografía, como sus manuales de instrucción de técnica, los cuales eran: La cámara, El negativo y La impresión. Junto con Edward Weston, y otros, fundan la asociación fotográfica ''Grupo f/64''. Desarrolla también el Sistema de Zonas en donde muestra como el fotómetro o cámara mide el gris medio.

Bill Brandt, fotógrafo británico conocido por sus fotografías distorsionadas de desnudos y paisajes, y por el uso del blanco y negro en imágenes con contrastes sociales en la sociedad donde se desarrollaba. En su trabajo, se nota la influencia de Man Ray. Utilizaba lentes de gran angular, para lograr la deformación de sus desnudos, también hace retratos con fondos de paisajes, dándole un toque surrealista, al cual estaba muy ligado siempre.

 

Diane Arbus, fotógrafa estadounidense, conocida por un trabajo muy diferente. Ella eligió fotografiar a personas marginales: fenómenos de circo, enfermos mentales, gemelos, gigantes, etc. inspirada por la película Freaks. Ellos miraban directo a la cámara, dándole un toque real. Volvía mounstruoso algo normal.

Sandy Skoglund, (1946) fotógrafa estadounidense. Su trabajo consta en diseñar escenarios, donde conjunta muchas ideas, nombrado como arte conceptual o surrealismo, para así luego fotografiarlo. Su obra reside en varias colecciones, como en el Museo de fotografía contemporánea en Chicago, o el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

Ernst Haas, fotógrafo austriaco, en 1947 hizo muy famoso su trabajo sobre el regreso de los prisioneros de guerra, después hizo su primera foto a color en un desierto de México. Ese fue su comienzo para el estudio personal de la foto a color. En 1951, trabaja para Life, Vogue, Esquire o Look trabajando como fotógrafo independiente. 

Robert Mapplethorpe, fotógrafo estadounidense que fue conocido por fotografías en gran formato, de desnudos y flores. Su trabajo generó polémica, tachado por pornografía.  Su obra buscaba el equilibrio y la perfección.

Me pareció muy inspiradora la visión de cada fotógrafo, en especial me agrada mucho el trabajo de Arbus, y es impresionante conocer la motivación de cada uno, la forma tan diferente de percibir.

Fotografía del siglo XX (Magistrales).

Comentario de la Magistral del día viernes 26 de Septiembre.

Se nos dio a conocer en éste magistral, la evolución de la cámara y cómo desde sus inicios se consideró que fuera un arte para todos.
La primera cámara mencionada fue la de formato 127, tenía un reducido espacio, tenía la capacidad de tomar solamente 12 fotografías.
Después viene la cámara Leica, el primer prototipo fue construido por Oskar Barnack en 1913, siendo la primera cámara compacta de vídeo de 35mm, teniendo ya más capacidad de exposiciones.
Después de la guerra de Corea, nacen las cámaras Reflex:
La cámara Exakta, fue creada en Alemania, fue la primera cámara reflex de 35mm, producido en 1939, el disparador se encontraba de lado izquierdo, para facilitar el disparo con la derecha.
La Rolleiflex, contaba con dos lentes, contaba con un formato mediano, su función estaba basada al leer la luz del exposímetro.
También se menciona la llegada de la fotografía instantánea, producida por Edwing Land, manufacturada por Polaroid entre los años 1947 y 1948.
La cámara Hasselblad de 500cm, viene en 1952 en Suecia, contaba con un formato plano 120, en bien nombrada por la calidad de sus lentes, se producen desde la Segunda Guerra Mundial, el uso más famoso de éstas mismas fue la captura de las misiones del programa Apolo cuando el primer hombre pisó la Luna.
En 1990, Nikon llega con la era digital, y empiezan a producirse híbridos, también siendo cámaras reflex. Contaban con un disco duro de 80 Mb, y tenía ahora una capacidad más grande de capturas (Hasta 50 fotografías).
También pudimos ver el trabajo de varios fotógrafos, los mencionados fueron:
August Sander, fotógrafo alemán, su trabajo está compuesto por fotografías desde paisaje, arquitectura, naturaleza, pero es bien conocido por sus retratos, como podemos apreciar en la serie fotográfica Hombres del siglo XX, que era un ''catálogo'' de la sociedad en Alemania durante la República de Weimar. En 1929, publica su primer libro ''Face of our Time'' que contaba con una selección de sesenta retratos del siglo XX.

Autorretrato de August Sander.

Man Ray, artista modernista estadounidense, conocido por su fotografía avant-garde y también por sus retratos. Sus primeras obras experimentales fueron los rayogramas, en 1921, (imágenes fotográficas sacadas sin cámara) También crea retratos, se convierte en fotógrafo retratista de personalidades. Pionero en la era dadá y surrealista, su trabajo lo caracteriza por crear escándalo.

Autorretrato Man Ray.

Pedro Meyer y Joan Fontcuberta. Ensayo.

Pedro Meyer es un fotógrafo mexicano, conocido por su trabajo como pionero en la era digital. Sus fotografías cuestionan la realidad, y así con el surgimiento de las distintas tecnologías digitales en los 90's su trabajo evoluciona, pues al trabajo que llamaba ''imágenes directas'' al principio como fotógrafo documental, transmuta a documentalista digital, combinando elementos varios en sus fotografías, para llegar a una verdad distinta, jamás antes vista.
Las aportaciones que nos brinda Meyer al desarrollo digital de la fotografía son la creación del primer CD-ROM que mezcla imágenes con sonido, las primeras impresiones digitales en 1994 y lo más reciente, la creación del foro fotográfico zonezero.com, que es el sitio de fotografía más visitado en la red. También ha sido el responsable de situar la fotografía Latinoamericana en el mundo artístico y de forma internacional, formando grupos con fotógrafos latinoamericanos.
En el mundo de la fotografía documental, la opinión ortodoxa de éste han etiquetado a Meyer como ''Hereje'' ya que afirma que tanto las fotografías digitalmente manipuladas como las que no lo son, son tanto verdad como ficción. Llegando así al proyecto Herejías, conformado por 4 décadas de obras fotográficas.
En el documental ''Fotografío para recordar'' Meyer nos narra, la historia de sus padres, que en mi opinión me pareció bastante fuerte, melancólica y poética mientras podemos visualizar fotografías de familia, creando un ambiente bastante directo y real de todo lo vivido.
También cuenta con fotografías con fuerte carga social, desde la problemática política vivida en México, como el movimiento del 68, el terremoto 85, hasta el festival de Avándaro, llevándonos a nuestra condición vulnerable, que plasmado a su forma, nos llevaba a ese momento, creando una atmósfera de realidad.
En su trabajo digital, nos permite como espectadores poder ver más allá, ya que juega con imágenes retro-futuristas, y podemos apreciar su visión, de como debía de ser visto el todo cuando éstas fueran observadas por el mundo del futuro.

Avándaro, Estado de México, 1971.

Joan Fontcuberta, artista en la era digital, nos muestra en su trabajo la concepción de la fotografía para evidenciar lo real, también poniendo en duda la verdad que hay en cada captura que nos brinda. Nos habla de la fotografía como una mentira, ya que su naturaleza no le permite otra cosa. Pero eso no es lo importante, si no el como nos puede llegar y las intenciones que tiene el fotógrafo, poniendo una dirección ética a su propia mentira. Sus trabajos se basan en el cuestionarse el concepto ya establecido en la fotografía, el cual se basa en la idea del reflejo que existe en nuestra fiel realidad. 

En el documental ''La Aventura del Saber'' habla de la era digital, como una revolución. Menciona una nueva forma de escritura, a base de pixeles, llevándome al libro Después de la fotografía de Ritchin, nombrándolo como un hipertexto, una herramienta para eternos cambios. Un dominio que no existe en la fotografía analógica. Se habla de la credibilidad de la ahora ''fotografía'' y como puede ser ocupada tanto para fines estéticos como para intereses políticos y de opinión.

Cuenta con exposiciones como: Fauna, Herbarium, Historia Artificial, Sputnik, Micromegas, entre otras, ya como con ensayos como: El beso de Judas: fotografía y verdad, Ciencia y fricción: fotografía, naturaleza y artificio, La cámara de Pandora: La fotografía después de la fotografía, entre otras.

Reciente ganador del Premio Internacional de Fotografía Hasselblad 2013, considerado premio Nobel de la fotografía.

Herbarium, 1984.

En el libro de Ritchin, se habla de ésta era como de una revolución digital, que ha cambiado tanto de la sociedad, sin estar tan conscientes de ello, llevándonos a un estado de realidad o irrealidad en nuestra forma de pensar, percibir, y hasta visualizar mentalmente lo antes inimaginable.

Hay posibilidades eternas, con la fotografía, ese estado de trascendencia de lo análogo a lo digital, habilitando realidades jamás pensadas. Tanto Pedro Meyer como Joan Fontcuberta son ejemplos claros de como estas oportunidades, pueden llegar a una comunicación visual y sensitiva de universos creados por medio de experimentos digitales. Me parece que la diferencia que tienen, es que Meyer dio un gran brinco de lo análogo a lo digital, mientras Joan está en esa constante experimentación digital, haciendo su trabajo revolucionario. 

Historia de la fotografía. (Magistrales)

Se dice que la fotografía es el arte de pintar con luz, De la Roche (1729 - 1774) hace una investigación, donde era posible capturar imágenes como plantas, en una lona cubierta con una sustancia pegajosa, creando así una captura de la imagen elegida y muy real, después debía de ser secada en obscuridad, siendo así permanente. Se descubre entonces que las sustancias son sensitivas a la luz, y así llegamos al descubrimiento de la cámara oscura.
La máquina oscura fue creada antes de que se encontrara el proceso para fijar la captura por medio de químicos, se disponía entonces de una habitación oscura en la que se entraba para fotografiar el paisaje circundante, pero ésto llegaba a ser muy poco manejable. Hacia la segunda mitad del siglo XVII se crea una mesa de dibujo portátil siguiendo el mismo principio. En una caja de madera, portaba un lente en el lado delantero, el artista así la dirigía hacia donde quería y copiaba la imagen sobre una cartulina semitransparente, apoyándola en un cristal que se encontraba en la parte superior. Canaletto y Durero utilizaban este medio, para construir sus apuntes con bastante definición y perspectiva.
Daguerre y Niepce formaron una sociedad en 1829, quedando en 1833 Daguerre como único creador después de la muerte de su compañero. La técnica se perfecciona con la acción del vapor de mercurio sobre yoduro de plata y luego disolviendo el yoduro residual en una solución hecha a base sal común estando caliente. Así de 1838 a 1839 se produjo el lanzamiento de esta técnica, entonces, se comienza a producir éste material fotográfico haciéndose demostraciones públicamente. De pronto se volvió popular en Alemania, Estados Unidos, Italia, Inglaterra. El segundo estudio oficial, lo realiza Antonie Claudet, quien se nombró como retratista de la reina Victoria, de pronto la popularidad del retrato creció.
En 1837 comienza el desarrollo de la imagen sobre papel. William enry Fox Talbot, sugiere el procedimiento de usar papel negativo, en el cual se podía reproducir las copias requeridas de un sólo negativo. Tras el conocimiento del hiposulfito, se obtuvieron imágenes negativas, Talbot descubrió que el papel con yoduro de plata, era sensible a la luz, si antes de ser expuesto se sumergía en una disolución de nitrato de plata y ácido gálico, así podía ser revelado después de la exposición. Después, la imagen negativa se sumerge en tiosulfato sódico o hiposulfito sódico para fijarla, así quedando permanente. A este proceso se llamó calotipo. A finales de 1840 Talbot mostró la modificación del proceso, consistía ya en obtener una imagen positiva, este método hacia real los positivos requeridos de un solo negativo. La cámara siguió y sigue evolucionando, Petzval en 1854 aparece la meta de gran angular que alcanzaba 92 grados, y en 1860 Schnitzer y Harrison adaptan a éste mismo un diafragma iris.
En 1838 nace también la visión esterostópica, que se basa en la visión humana, y en la separación de 65mm, que hay en nuestros ojos, creando un efecto tridimensional. Las cámaras estereoscópicas impresionaban las placas sensibles a partir de dos imágenes distintas. J. Laurent y Roger Fenton pusieron de moda este tipo de fotografía. Su evolución data de finales del siglo XIX y llegan aproximadamente a 1910.

Después de la fotografía. Fred Ritchin.

Vivimos en una era digital, si nos ponemos a analizar, todo lo antes vivido a cambiado de una manera irremediable. Ya nada es visto como en el pasado, ya que estos medios digitales cambian por completo nuestra percepción y lógica hacia nuestra forma de vida. Estamos siendo testigos de una acelerada evolución, causada por los medios de comunicación. Todo se transforma, la concepción que tenemos del mundo, la noción de cultura y arte, y el sentido de lo posible. La fotografía así mismo juega un papel muy importante en la representación de lo real, y también ha distorsionado esa misma visión. El potencial humanístico tiene que aumentar inteligentemente desde el inicio de la transición de lo análogo a lo digital por el interés comercial que se explota por beneficio propio. La fotografía digital fue estructurada como una creación coherente y fuerte, algo fácil de vender a pesar de estar ligada a ésta ''revolución digital''. La computadora también nos brinda esa ''realidad'' sin ver más allá de esa complejidad, de pronto nos convertimos en usuarios de la red, así mismo adictos a ella. Se esconde en un disfraz mimético, basados en estrategias calculadas que al final es más transformativo que las mismas artes del siglo pasado. Estimulan diferentes lógicas trastornando nuestra propia conciencia de lo real, o lo que siempre creímos que lo fue. Lo digital implica transformación constante, manipulación de datos, abstracciones eternas, lo ''original'' pierde su significado. La creación es reconstituida, abierta al cambio, reconfigurada y finalmente se convertirá en lo que decida el consumidor. El acto fotográfico evoluciona hacia una estrategia comunicativa, representada por el uso de teléfonos y correos electrónicos que aporta de manera importante que la ex ejecutiva de Microsoft Linda Stone llamó ''atención continua parcial''. Ahora estamos viviendo en espacios múltiples, mientras hablamos con nuestros allegados, podemos ver sus imágenes cercanamente, se fusionan las experiencias. La fotografía tiene diferentes enfoques, nos brinda la paradoja de ser un medio interpretativo, subjetivo, y al mismo tiempo útil y de confianza para el uso social o personal. Los medios digitales han sido causantes de una evolución de los medios, por ejemplo la fotografía del siglo XIX imitaba la pintura, y ahora superó sus características iniciales, dando pauta a nuevas realidades, pero lo problemático aquí radica en que muchos de nosotros concebimos al mundo como si fuera fotográfico, dijo el escultor Alberto Giacometti: ''Uno nunca ve las cosas, siempre las mira a través de una pantalla.'' Vivimos borrando las experiencias, y las reducimos a un pequeño rectángulo, volviéndolas una serie de diapositivas, esperando que se conviertan en pedazos inmortales, una realidad menos finita. Y nosotros también nos transformamos, conscientes de ''lo fotogénico'' para pertenecer, la existencia multifacética es eliminada por una existencia fotográfica mucho más exigente. ''Una vez que las imágenes empiezan a remplazar al mundo, la fotografía pierde mucha de su razón de existir''* Cuando una fotografía es manipulada, se prepara un camino para transformaciones sociales y personales fundamentales. Se menciona como inicio de la era fotográfica en 1982, la portada de National Geographic fue modificada, mostrando las pirámides de Giza en un ángulo que no existe, siendo un cambio menor ya que excluía la basura, a los turistas, vendedores, dio una gran transmutación digital. Robert E. Gilka (fotógrafo de esa época) comenta: ''como la guerra nuclear con límites. No existe''. Las fotografías han sido retocadas desde el inicio de su historia, y el hecho de que en la actualidad cualquier persona que sabe de computación puede hacer esta alteración, ha creado un gran escepticismo social. Entonces, si no se puede confiar en la fotografía documental, entonces la misma habrá perdido su valor, y se convertirá en un símbolo de oportunismo, pierde la capacidad para ''apropiarse del objeto fotografiado'' (como menciona Susan Sontang)  y lo que hace es simularlo. Como consecuencia de los cambios y características nuevas de los medios digitales, el ''copyright'' se ha vuelto más equilibrado por el nuevo sistema de licencias Creative Commons (cc), el autor de cada obra puede elegir entonces si su obra puede ser mostrada, compartida, copiada, con fines comerciales, etc. Han habido muchas modificaciones conocidas en la historia de la fotografía como cuando Walski compuso una imagen a partir de dos fotografías de la guerra de Irak para tener una mejor imagen, en su opinión. También durante la campaña presidencial de Kerry, en 2004 se combinó con la fotografía de Jane Fonda (actriz) para que pareciera que habían estado juntos en un mitin en contra de la guerra de Vietnam. Estas creaciones manipuladas, como otras, influenciaron las opiniones de la sociedad. También se han detectado fraudes en las publicaciones científicas, como en como luce una célula, que han sido difíciles de comprobar la autenticidad. Ahora el Photoshop es usado de manera regular para lograr éste tipo de cambios. Ritchin menciona que publica un artículo en New York Times Magazine sobre la revolución digital en la fotografía y en el cine de 1984 y uno de los editores le informó que se le prohibía tratar esos temas de nuevas tecnologías, porque el artículo estaba muy adelantado y era injusto obligar a los lectores imaginar un futuro más allá. Hoy verdaderamente nos enfrentamos a las tantas implicaciones de esta revolución digital. Existen ya muchos experimentos virtuales, como Spore de Will Wright donde la persona puede crear criaturas, escogiendo sus partes del cuerpo, tenemos la posibilidad de jugar al creador. También surgió un campo de la biología sintética, en el que ingenieros juegan con información genética. Existen muchas similitudes entre el ADN, en el ambiente digital varios medios pueden compartir códigos y estar en constantes transformaciones. Artistas también han ocupado estos grandes cambios, como es el caso de David Rokeby quien en su obra ''Very Nervous System'' mientras el se mueve, las cámaras ven ese movimiento y se traduce en forma de música. Estos casos de vuelven una de las certezas de la fotografía: La habilidad para encontrar ese ritmo de vida que las personas puedan determinar, pero no sentir. Los nuevos inventos, permiten que el mundo vea desde otra perspectiva. Otro ejemplo claro es ''Google Earth'' ofreciendo paisajes vistos desde un satélite en el espacio, las posibilidades que ofrece a la fotografía de viaje es enorme. Uno puede visualizar lo que quiera, y se mezcla con Gigapan, fotografía panorámica que cuenta con mil millones de pixeles que desarolla el equipo de Randy Sargent e Illah Nourbakhsh, de la Universidad Carnegie Mellon, ofreciendo la posibilidad de explorar cartográficamente imágenes el alta resolución.  Nos encontramos en una generación donde todo está a nuestro alcance, y nos volvemos críticos sin notarlo en You Tube, Flickr, y toda esta serie de redes sociales que de alguna u otra forma, transforman esa misma esencia, y estando tan familiarizados con ello, llegamos al cambio de la memoria misma. Igual que en los géneros literarios de la novela, la narración, la poesía han explorado los cambios de la memoria, la fotografía digital evoca un pasado mucho más complejo. ''Spellbinder'' por ejemplo, fue ideado en la Univerdidad de Edimburgo en Escocia, permite que las personas fotografíen un lugar con sus celulares, se mandan a una base de datos y rápidamente se recibe una fotografía de una composición artística creada por este sitio. Se puede imaginar entonces en la posibilidad de que una base visual le permite al fotógrafo observar como lucía antes el lugar requerido, entrelazando el mundo real, y el manipulado. Está el caso también de la fotografía de Griffith, donde muestra niños mutilados, sin ojos y deformes y mencione que el verdadero problema con lo digital es que ya no existe razón alguna para creer en las fotografías, es muy fácil falsificar. Pero a su vez, yo pienso que la adopción de lo digital, puede ser otro inicio, para creer que las fotografías pueden pensarse, como cuando escribimos, cuando planeamos. A veces es más que eso, por que llegamos al punto de lo caótico, en la que distintas percepciones se enfrentan creyendo en el beneficio mismo de cada visión. La belleza de lo real o irreal se nos escapa de las manos, ya no podemos saber que es real, que lo fue y que no lo es. En 1978 John Szarkowski, curó una exposición llamada ''Mirrors and Windows'' donde las fotografías entran en 2 categorías: ''Espejo'' donde habla sobre el fotógrafo y ''Ventana'' donde habla más respecto al mundo. Se cuestiona entonces la fotografía como medio de autoexpresión y también como medio de exploración. Pero más allá de ésto, en los setenta había algo que aún no existía, lo digital conlleva al hipertexto, llevándonos a otro contexto social, o crear poemas hechos de imágenes, creados por pixeles. La fotografía también puede ser un híbrido: siendo ya un video, foto-película, foto-novela, los colores y tonos de la fotografía pueden enlazarse en cualquier anuncio comercial, o llevarnos a una película. Podríamos decir que se hace una ''lectura'' de la misma. La fotografía hipertextual, con enlances a las distintas percepciones que crecen y se contradicen a la vez, da pie al entendimiento y comprensión, gracias a la maleabilidad de los pixeles, la apariencia de la fotografía sólo es el punto de partida. Maurice Merleau-Ponty habla de un espacio que ''aquel que mira no debe ser ajeno al mundo que mira, es necesario que la visión sea duplicada por otra visión complementaria.'' La adopción de nuevas técnicas nos dan la completa firmeza para entender el mundo que nos rodea. Un ejemplo está en la fotografía tomada en 1968, de nuestro planeta, visto desde una nave en el espacio exterior llamada ''La salida de la Tierra'', marcando así el inicio del movimiento para salvar al planeta. En la política los orígenes de estos avances, son evidentes, una imagen puede hablar por si sola, teniendo este progresivo poder en el espectador. Y éste poder ha sido usado también políticamente, denigrando o adorando a algún personaje, gracias a estos medios. En 1980 el maestro del oportunismo fotográfico Reagan ganó la elección Cindy Sherman tuvo su primera exposición ''fotos fijas'' falsas en New York a las que disfrazó como femmes fatales. Reagan nos regala y hereda la economía de goteo y Sherman, nos presenta el postmodernismo. El modernismo fue vencido por éste, y sólo los símbolos y significaron siguen con vida. La ambigüedad de las fotografías nos motivan a preguntarnos su verdadero significado, genera múltiples preguntas más que respuestas, despierta curiosidad por una conversación. Peress y Ritchin crean un proyecto en el cual trabajan en 400 pequeñas fotografías, montadas en un muro, conectadas por líneas de colores en una especie de ajedréz cuadridimensional, y cuestiona en el libro, si el lector le diera click a la imagen dependiendo en el lugar donde se encuentren ¿A dónde lo llevaría? ¿Qué interactiva sería la experiencia? ¿En qué momento se perdería el interés? Así es la Red, y la intención era alentar una  lectura más visual, éste tipo de lenguaje emergente fue discutida ambiciosamente, dependiendo de la imagen seleccionada se le llevaría a un resultado tanto de paz, como caótico. La idea era recrear la sensación de estar y sentir el lugar a donde se había llegado, como si mirara a través del tiempo. La Red había mostrado la capacidad para ofrecer la conversación entre autoridades, ya que al principio no estaba al alcance de todos. La Red es ahora el hipertexto, y evoluciona rápidamente, nos permite ''viajar'' de una forma tan real, determinante y real de alguna forma. La Web 2.0 evade la voz profesional, como si fuera una estratagema anticuada. Los textos ahora podemos encontrarlos resumidos en bytes, así el concepto de copyright se extingue, al igual que el ''significado'' del fragmento de cualquier texto. Ésta evolución podría causarle los mismo a la fotografía, pues está al alcance ahora de todos,  los aficionados superan a los profesionales, y todo se vuelve una eterna competencia. ''Ahora todos somos fotógrafos''. También hay muchos proyectos comprometedores y diferentes, como Photosynth programa de Microsoft que convierte tus fotografías en ''fotos inteligentes'', en el cual se procesa una fotografía y la identifica en un perfíl tipo ADN donde describe las principales características, después busca la correspondencia del ADN de la imagen, y busca más con características similares, entonces por ejemplo si una persona no sabe lo que fotografió, el programa ayuda a resolver esa duda. Y es atractivo e interesante la posibilidad de combinación de todas las perspectivas diferentes, conocer el todo por sus diferentes ángulos. El proceso tiene que ver en la trascendencia al fotógramo como ser individual, creando una memoria colectiva, de la apariencia de nuestro mundo. Todo tiene también sus dos lados, pues ahora como también todas las fotografías pueden ser vistas tan fácilmente en la Red, la seguridad y privacidad penden de un hilo. Cualquier editor de la Red tiene que preocuparse tanto por el lector, como por los sujetos capturados en la toma. La televisión y la fotografía han sido criticadas implacablemente por la percepción de que conlleva a un estado negativo en la sociedad. Pero alguna vez existió la creencia de que el fotógrafo serviría de testigo para alertar sobre problemas serios a la sociedad y se ha logrado, los rectángulos de dos dimensiones actuaron como poderosos recordatorios de lo que sucede para crear conciencia. Y que mejor manera, en nuestra era, ocupar la Red como arma masiva de conciencia. Así llegamos a la Hiperfotografía, la fotografía digital va más allá, el momento capturado puede ser extendido y ampliado al unirlo con muchos otros medios híbridos, convirtiéndose en un objeto visionario, una red transparente que cubre al mundo. El hiperfotógrafo puede mirar al instante sus mismas tomas, tiene todas éstas posibilidades. Se opone a la continuidad del tiempo como flujo. La cyborganización de todas las personas, provoca la extensión como una estrategia cotidiana. Paolo Wood menciona: ''Tiendes a estar satisfecho más rápidamente, pero cuando usas película nunca sabes lo que tienes, entonces te esfuerzas más y al final la última imagen es la buena''. O como diría David Burnett en lo digital te permite ver de manera inmediata qué fue lo que te faltó. La perspectiva renacientista podría convertirse en un tanto pintoresca en éste mundo de múltiples visiones. La doble mirada del cyborg, el cyborgLog y todos estos avances, nos hacen creer en un mundo dond la máquina va más allá que de el humano, y su entiendimiento propio, pero esto mismo ha creado nuevas industrias, proyectos, que antes parecían inalcanzables. Vamos a lo cuántico, lo digital lo evoca al discernir sus probabilidades y ambigüedades. Niehls Bohr y Heisenberg, afirmaron que la realidad fundamental es en esencia indeterminada, que no existe un algo, y jamás podrá conocerse. La fotografía digital, basada en segmentos nos permite imaginar diferentes cosmologías. La famosa fotografía de Cartier-Bresson de un hombre saltando a un charco, en un universo cuántico subatómico, hay montón de probabilidades. La fotografía digital-cuántica vuelve a incorporar algunas de las dudas que existieron en las primeras fotografías. La hiperfotografía podría ser vista como una eterna exploración, una duda, una respuesta, ese algo que nos mantiene vivos. O tal vez no.